Uno nunca podrá equivocarse por asistir a la Conferencia Anual de Audio Engineering Society México (AES), realizada desde la primera edición de sound:check Xpo. Es un lugar, por supuesto, para la adquisición de conocimiento, pero al mismo tiempo, alienta la conexión entre personas motivadas por un mismo elemento: el sonido. Es un suceso de verdad con una atmósfera dinámica y fraternal, donde cada uno de los asistentes, ya sean ponentes, auditorio o staff, se convierten en una gran familia, gracias al trabajo no solamente de una vez al año, sino de cada evento que la organización realiza de manera mensual, fortaleciendo a una comunidad y atrayendo siempre a nuevos miembros, lo que forma un círculo virtuoso que provoca que sean siempre grandes conferencistas quienes imparten temas trascendentes del mundo sonoro. Conozcamos los detalles.

 

Jonathan Wayner

Uno de los líderes mundiales de la masterización, Jonathan Wayner, hizo su aparición discutiendo acerca de niveles de “loudness”, entendido en términos útiles para el desempeño del profesional del audio. Obligatoriamente se tenía que tocar el tema de las curvas de Fletcher-Munson, apuntando su importancia al momento de mezclar, por ejemplo. “Estas curvas describen dos fenómenos al menos”, mencionaba Jonathan. “Uno es el hecho de que tenemos una particular sensibilidad desigual hacia las frecuencias que escuchamos, y otro es que esa sensibilidad cambia, dependiendo del nivel al que las escuchamos”. Por lo tanto, según Jonathan, al mezclar con un nivel demasiado alto, esto podría afectar de manera negativa las decisiones que tomamos. “En general, si se mezcla a un nivel alrededor de 85dB SPL, uno puede tener un mejor balance sonoro y un mejor punto de referencia para lograr una mejor mezcla”. Así mismo, se habló de la importancia de los niveles “Peak” y los niveles “RMS” en cuanto a cómo percibimos el volumen. En este contexto, se mencionaron algunas herramientas que tenemos para la medición de amplitud percibida, como los medidores LUFS, tanto el llamado “Momentary LUFS” como el “Short Term LUFS”.

 

Sergio Díaz

En una conversación relajada y amena, moderada por el ingeniero Carlos Cuevas, Sergio Díaz, nominado al premio Oscar gracias a su trabajo sonoro en la cinta Roma, compartió con el público sus experiencias y aprendizajes durante este proyecto, dirigido por Alfonso Cuarón. El sonido en esta película fue cuidadosamente trabajado, y haber sido mezclada en el formato de Dolby Atmos le dio a la obra un toque por demás especial. “Tú puedes escuchar la película en cualquier formato porque así fue entregada: para mono, estéreo, 5.1 y 7.1; sin embargo, escucharla en Dolby Atmos te hace vivirla de una manera completamente diferente. Mi recomendación es que al menos la escuchen en un par de buenos audífonos en este formato”. Momentos específicos de la película fueron ampliamente comentados, como las recreaciones del sonido ambiental, la mezcla de la escena de la playa o la escena en la que el padre de familia estaciona su coche dentro de la casa. Para lograr todos los detalles sonoros que se entregaron durante la escena del automóvil estacionándose, fue necesario mucho trabajo muy cuidadoso. Teníamos micrófonos por todos lados y de hecho, en algún momento tuvimos que usar el set para recrear los sonidos de momentos que ya habían sido capturados en imagen”, recordaba Sergio. Con la contribución de Carlos Cuevas se dejó en claro que Roma es una película similar a un libro pop-up (de los que se abren y surgen figuras de sus páginas), porque hay que desdoblar completamente la película para comprender su contenido.

 

John La Grou

¿Pensaban que el futuro no era posible predecirlo? Reconsidérenlo, porque si se toma en cuenta información histórica y se reconocen patrones de comportamiento a través del tiempo, es posible imaginar con un muy buen grado de precisión qué ocurrirá en los próximos años. Así, John La Grou, fundador de Millenia Media, dedicó su sesión a exponer qué es lo que podríamos esperar en cuanto a avances tecnológicos en la industria del audio para los próximos veinte o treinta años. Pero para poder lograr esto, no sólo se estudiaron más de cien años de evolución en la industria del audio, sino que también se trataron de analizar los conceptos de creatividad e innovación, tan fundamentales para el desarrollo tecnológico. “La innovación es algo que no puedes controlar y es piedra angular para crear el futuro”, mencionó John. “Hay dos tipos de innovación: la primera es la incremental, la cual es incesante y muy predecible, y la segunda es la que se considera como parteaguas para el avance, la que provoca cambios de paradigmas, por lo que rara vez sucede”. Se examinaron muchos casos, desde la aparición de las primeras herramientas para grabar audio hasta la implementación en nuestros días de sonido inmersivo como surround sound y DolbyAtmos, llegando a la conclusión de que es muy probable que lo que nuestro destino nos depara es la implementación de audio y video que sumerjan totalmente al usuario en un tipo de realidad alterna. Al mismo tiempo, de acuerdo con John, el progreso de las tecnologías de audio personal será inevitable y tal vez se convierta en la principal tendencia en cómo consumiremos material sonoro.

 

Sergio Molho

El partner y Project manager de Walter Storyk Design Group, estuvo frente a un público muy entusiasta en lo que se refiere a tratamiento acústico y diseño de estudios de grabación. Se tocaron temas fundamentales, pero sobre todo lo que respecta al cuidado de todos los detalles al momento del desarrollo de proyectos y los retos que eso implica. “El objetivo siempre será fabricar un espacio funcional desde el punto de vista acústico y tecnológico, pero cuidando al mismo tiempo los factores estéticos, de manera que el usuario final pueda estar en un recinto cómodo e inspirador. Todo comienza con escuchar atentamente las necesidades del cliente, y es de suma importancia considerar que todos, absolutamente todos los profesionales involucrados en el proyecto, deben realizar su trabajo con gran eficiencia. Todos van en el mismo tren y deben llegar al mismo destino”, comentaba Sergio, además de señalar que en la totalidad de los proyectos de esta naturaleza, desde una sala de cine hasta un estadio, existen por lo menos tres elementos generales a considerar: el elemento arquitectónico, el acústico, porque el análisis del comportamiento sonoro del mismo espacio es fundamental, y el elemento tecnológico, que es lo relacionado a todo lo que es infraestructura eléctrica. Para ilustrar todo el trabajo de conceptualización e implementación se tuvo durante la plática a un cliente mexicano de WSDG.

Presentado por Walter Storyk Design Group.

 

Merlijn van Veen

Conocido mundialmente como educador y por sus calculadoras para la optimización de sistemas, Merlijn van Veen presentó una innovación desarrollada por Meyer Sound, la cual promete ayudar a los profesionales de la industria a lograr mejores mediciones. Dicha innovación es el llamado M-Noise, el cual, en contraste con el Pink Noise, ofrece una señal mucho más similar a aquella de la música, y es por eso que se llama M-Noise (Music-Noise). Según Merlijn, “El propósito de este tipo de señal es lograr valores mucho más cercanos a los de la vida real, que es precisamente la reproducción, a través de nuestros altavoces, de material musical o material grabado de otra naturaleza, como el utilizado en la industria fílmica”. Se habló de la importancia del Crest Factor en la emisión de una señal y se compararon los valores de Crest Factor producidos por Pink Noise, M-Noise y material musical, encontrando que los valores entre estos dos últimos son muy similares entre sí. Además, se enfatizó la importancia del concepto de “Coherencia” y los elementos que la afectan, siendo estos la reverberación y la distorsión. En esta materia, M-Noise también presentó mejores resultados en la práctica, haciéndose una demostración real sobre un pequeño sistema de audio, de todos los conceptos cubiertos durante la primera mitad de la presentación, comprobando que M-Noise puede ser efectivamente una herramienta muy útil para la calibración de equipos.

Presentado por Meyer Sound.

 

Nadja Wallaszkovits

Un campo del audio casi ignorado por completo en el panorama de los ya profesionales, o los aspirantes a ello, es el de la restauración de material sonoro. Experta en esta área es Nadja Wallaszkovits, presidenta de AES a nivel mundial, quien presentó una charla acerca de todo el proceso de restauración de elementos análogos. “Se trata de preservar”, aseguró Nadja, “hacer que las grabaciones de la historia sean accesibles para las generaciones venideras, ya que la tecnología de reproducción cambia con el tiempo”. Para lograr este objetivo, es necesario tomar en cuenta ciertos lineamientos generales que afortunadamente son provistos por la IASA, (International Association of Sound and Audiovisual Archives), en su apartado de recomendaciones técnicas. Tales lineamientos nos sirven como guía para responder preguntas como la forma en la que será digitalizado el material y el dispositivo que se usará para tal propósito. Se habló acerca del equipo, afirmando que éste debe cumplir con formatos muy específicos de velocidad, ecualización y sistemas de reducción de ruido, así como del método de transferencia. Ciertamente, también se tenía que tocar el tema de la ética de la restauración: “Los principios éticos en este sentido, se establecieron desde 1752 por el Marqués d’Argens, cuyas guías generales se encuentran en documentos de la European Confederation of Conservator-Restorers Organisations y en la International Council of Museums”. Durante la conferencia Nadja nos permitió escuchar piezas históricas muy interesantes ya restauradas.

 

Bruce Olson

En esta ocasión, Bruce Olson nos instruyó en el campo del diseño de sistemas sonoros para recintos. A través del análisis de varios proyectos en los que él ha trabajado con su empresa Olson Sound Design, demostró la utilidad de diversas herramientas de medición para predicción acústica, pero al mismo tiempo se tocó el tema del tratamiento acústico. En un ejemplo, se examinó el desarrollo de un auditorio escolar: “Aquí vemos que el auditorio tenía pisos inclinados y que necesitaba reflectores. Experimentamos con reflectores planos y curvos, al mismo tiempo que exploramos resultados con reflectores duales, que son los que funcionan como absorbente en una mitad y como reflector la otra. Del mismo modo, pusimos a prueba diferentes configuraciones de los asientos del auditorio y en general, en esta ocasión nuestros resultados fueron muy similares en lo que respecta a presión sonora y tiempos de reverberación”. Otro ejemplo fue el Minnesota State House of Representatives Chamber, un espacio con piso, techo y alcobas cóncavos que además presentaba el gran reto de que no podía ser modificado, debido a que es un edificio histórico y la buena inteligibilidad era crítica. Para hacer simulaciones de voz, aquí se utilizó la herramienta llamada TalkBox y principalmente se utilizó el sistema de medición llamado EASE.

 

Mark Frink

Un enorme veterano de las giras mundiales. Giras con Eagles, Suzanne Vega, 10000 Maniacs y la Sinfónica de Boston, por ejemplo, han sido para él trabajo de todos los días. Su conferencia se realizó alrededor del análisis de diferentes tipos de micrófonos para distintas aplicaciones. “Estos equipos deben ser elegidos de acuerdo a nuestras necesidades específicas o nuestro gusto y los del cliente o artista” advierte Mark. “Normalmente, para las voces vamos a preferir los micrófonos con un patrón polar bastante cerrado, para maximizar ganancia antes de la retroalimentación. Otros, gracias a su ecualización interna, van a ofrecer una óptima presencia vocal con énfasis en las frecuencias medias altas”. Por ejemplo, el Audix i5 es un micrófono con gran sensibilidad, pero con un tipo de transformador que no agrega distorsión a la señal. Es por esta razón que entrega un sonido limpio y fiel, agregaba Mark.

Presentado por Vari Internacional/Audix

 

Lenise Bent

Escuchar las experiencias de alguien con una carrera tan larga y exitosa como la de esta profesional del audio es siempre inspirador, especialmente cuando se afirma que cada ingeniero que participa en una producción artística, ya sea musical, fílmica o teatral, se convierte al mismo tiempo en artista partícipe del proyecto. “Nuestros instrumentos son diferentes a los de los músicos. Son la consola, los micrófonos, la estación de trabajo y el estudio mismo, pero la creatividad puesta en cada una de nuestras colaboraciones para lograr una obra terminada es absolutamente fundamental para que esta sea concebida”, afirmó Lenise. En demostración, hizo un recorrido de su vida profesional y de los cambios tecnológicos que ella ha experimentado a lo largo del camino, expresando su definitiva preferencia por el equipo análogico: “Se dan cuenta de que si observamos lo que es la frecuencia de sampleo, veremos que en realidad estamos perdiendo mucha información; es decir, estamos dejando mucha música fuera de nuestro proyecto”. Y también sugirió: “para tener la posibilidad de liberar mejor tu espíritu creativo, involúcrate mucho en lo que es la teoría de la música; o si es cine, pues en técnicas cinematográficas, y así en cualquier otro campo en el que te desempeñes. De esa manera, tú también serás artista”.