El WTC (World Trade Center) Ciudad de México no tuvo evento más grande e importante entre el 13 y el 15 de marzo que la expo que reúne a los participantes más importantes de la industria del espectáculo: sound:check Xpo, también casa de la conferencia anual de Audio Engineering Society México (AES), que sin falta ofreció un programa educativo espectacular, demostrando que cada año puede ser mejor.
AES México ha crecido su matrícula de miembros de manera importante en los últimos años. Y es que no podría esperarse menos si observamos un nivel de profesionalización del audio cada vez mayor en nuestro país, con más y más colegios, universidades y academias ofreciendo formación de calidad en el área. Siendo así, la Conferencia Anual se convierte en el suceso educativo central de todo aquel que aspire a contar con un grado competitivo.
2016 reunió una vez más a verdaderos eruditos en el audio. Gente con gran experiencia y estudios, pero además con grandes aptitudes para la enseñanza; desde veteranos de la AES como John Krivit, hasta jóvenes con gran talento como Erin Tonkon (productora independiente de bandas de rock en los Estados Unidos).
Los temas estuvieron realmente bien balanceados, cubriendo audio en vivo (con la presencia de Fernando Guzmán hablando de optimización de sistemas de audio, además de la participación de José Rivera con una conversación acerca de mezcla en vivo), audio en estudio (con Andrés Millán, César Lamschtein y Marcela Zorro), estrategias para el crecimiento profesional en la industria (con el magistral John Krivit y la visionaria Erin Tonkon), además de las pláticas científicas a cargo de Thomas Lund y Mauricio Gargel. El siguiente es un recorrido breve por cada una de las charlas que sucedieron en esta ocasión.
Fernando Guzmán
Si bien un tema muy importante, es a la vez poco comprendido realmente. La tarea de optimizar un sistema de audio es un aspecto fundamental para lograr al menos dos objetivos: la máxima calidad en la emisión de sonido y la perfecta manipulación del mismo desde la consola. Fernando Guzmán (enormemente conocido por su trabajo como ingeniero de sala y monitores con diversos artistas famosos como Juan Gabriel, Caifanes y Alejandra Guzmán; cofundador de la empresa Zero Phase, la cual se dedicaba a prestar servicios exclusivamente de diseño y optimización de sistemas, y especialista de producto para SSL), tocó precisamente este tema en su taller titulado: “Line arrays vs sistemas convencionales, ajuste y optimización”. Durante su intervención comenzó dando un repaso de la historia de los PAs y la voluntad de sus usuarios por explotar al máximo sus cualidades al mismo tiempo que la tecnología iba en avance. Habló desde el surgimiento del primer altavoz en 1876, mencionó también a los monstruos de instalación de “The Wall of Sound” para Grateful Dead y terminó con los modernos arreglos lineales. Posteriormente, al final de un breve descanso de diez minutos, se adentró en el tema del diseño y optimización, proporcionando ejemplos concretos sobre equipos de punto de origen y lineales, analizados con el popular software Smaart. Invaluable para todo aquel involucrado en instalaciones sonoras.
John Krivit
Meterse aquí, hablar con ésta o aquella persona, saber cómo se ha expandido el campo laboral del audio, todas ellas son cosas que todo joven ingeniero debe estar consciente para el crecimiento de su carrera y que John Krivit, muy conocedor del tema, está más que dispuesto a compartir, así que no fue sorpresa que su conferencia tuviera esto como tema central. Comenzando con un repaso de las vastas opciones que ofrece ahora la industria, John enfatizó la importancia de no enfocarse solo en el trabajo en estudio: “la mayoría de los estudiantes a los que les pregunto acerca de lo que quieren hacer en su carrera me dicen que desean abrir un estudio de grabación. Eso está muy bien, pero deben tomar en cuenta que la industria no está presentando las mejores oportunidades por ese camino”. Por otro lado, enfatizó la importancia de contar con buenas habilidades sociales, saberse relacionar y promover en la industria, y saber aprovechar oportunidades de conectarse como son las conferencias internacionales de AES.
Marcela Zorro
La grabación y mezcla de música clásica es aún un campo insuficientemente explorado (y tal vez también poco explotado) en Latinoamérica. Sin embargo, Marcela Zorro ha hecho carrera en esta área realizando grabaciones con la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia y la Orquesta Filarmónica de Bogotá, por nombrar sólo dos de muchos otros ejemplos. Siendo esta su experiencia, su conferencia se desenvolvió alrededor de aspectos importantes para tomar en consideración cuando de producir música clásica se trata. “Debemos pensar muy bien en el espacio donde se llevará a cabo la grabación. Ese espacio le imprimirá una personalidad particular al proyecto”, comentó Marcela, además de agregar los criterios bajo los cuales elegiremos ese sitio: “es sustancial saber el tipo de agrupación que se grabará y su tamaño; así se podrán determinar las dimensiones del lugar que necesitamos. Por otro lado, el tipo de repertorio (época) establece ciertas condiciones acústicas, sobre todo por el tipo de reverberación que uno buscaría, y por último se debe asimismo observar el fin de las grabación, si se usará en cine o si se transmitirá por televisión, lo que influirá en la técnica que usaremos para grabar”. También se habló del personal normalmente involucrado en dichas realizaciones y por último se discutió acerca de las decisiones de mezcla. Sin lugar a dudas, la conferencia de esta profesional resultó muy valiosa, incluso si no se está involucrado en la música llamada culta.
André
s Millán
Conocido por sus créditos en producciones en vivo y en el estudio, pero también por su revista Diffusion Magazine, la cual busca establecer un lugar de conocimiento compartido en audio, habló acerca de la importancia de obtener un buen sonido desde la fuente en vez de intentar manipularlo y corregirlo electrónicamente. El nombre de su conferencia: “El arte de ecualizar sin encender el primer EQ”. Hace muchos años”, explicaba Andrés; “los ingenieros tenían que ser muy inteligentes en el uso de los dispositivos que tenían a la mano, por lo que buscaban optimizar al máximo la calidad del material que se habría de transmitir a través de ellos. Hoy, gracias a la tecnología digital especialmente, nos sentimos con la libertad de insertar todo tipo de mecanismo de modificación y corrección del sonido, frecuentemente con resultados poco alentadores”. Andrés habló acerca de los diferentes tipos de ecualizadores, desde los más utilizados y/o conocidos como los gráficos, paramétricos, notch y ecualizadores dinámicos, hasta los que el especialista considera también ecualizadores (por ser modificadores de tono): micrófonos, preamplificadores, compresores y convertidores, entre otros, que pueden resultar más sorpresivos como la impedancia, la cual, si se acopla correctamente entre los diferentes equipos conectados, puede mejorar de manera importante la señal. Así mismo se hizo hincapié en la importancia del tipo de instrumentos que se usarían bajo ciertos contextos musicales específicos.
Thomas Lund
En el esfuerzo por lograr y mantener un excelente sonido durante la reproducción de material grabado es trascendental mantener los niveles de intensidad idóneos. Thomas Lund, Development Manager para TC Electronic y reconocido alrededor del mundo por sus pesquisas acerca de las consecuencias de la nombrada “guerra del volumen” en la producción musical, dio su conferencia precisamente alrededor de este tema. “Durante la European Music Contest (Competencia Europea de Musica), los competidores enviaron sus grabaciones para ser escuchadas por los jueces. Se encontró que todas y cada una de ellas tenían que ser disminuidas en volumen por 10, 12 o tal vez hasta 16 dBs; y se dieron cuenta que de esta manera podrían obtener un mucho mejor sonido ” informó Thomas. Se habló de dos escalas llamadas Peak to Loudness Ratio y Headroom, de las cuales se hicieron las distinciones: “Peak to Loudness Ratio nos dice cuánto una grabación ha sido aplastada y es la diferencia entre su nivel pico y su nivel de intensidad. Por otro lado, el término Headroom se refiere más al sistema”. De esta manera se refirió específicamente a los sistemas de monitoreo en un estudio de grabación, donde informa que diferentes niveles de escucha nos hace percibir diferentes frecuencias de diversas maneras. Es por esta razón que Thomas sugiere mezclar siempre al mismo nivel, ya que de otra manera las mezclas resultan bastante inconsistentes.
Erin Tonkon
Ahora más que nunca, la industria de la producción musical necesita que creamos en ella. Necesita que le demos un nuevo giro, que la tratemos de manera diversa. Tal vez esto ya está sucediendo de parte de los músicos con sus nuevas propuestas, pero es sólo del lado del productor que se le puede dar un nuevo aire. Y qué mejor que una mente joven totalmente envuelta en la música como la de Erin Tonkon. Ella, no obstante su edad, cuenta con una enorme experiencia en diversos campos que la han ayudado en su carrera como productora. En su conferencia, nos platicó acerca de su trayectoria y de cómo evolucionó hacia lo que hace en el presente. Recalcó la importancia de saber un poco de historia de la música (en este caso rock) y del tratamiento que se le ha dado desde sus inicios. “Es una música que ha estado en el mundo desde mucho antes de que yo naciera, así que si hoy quiero hacer y dirigir una producción de este tipo, debo saber de qué se trata”, afirma Erin. De esa manera, esta novel profesional sonora mostró sus exploraciones en las producciones que han hecho historia e igualmente habló de cómo trabaja ella con sus producciones y de cómo, cuando hace sus viajes en búsqueda de talentos, se acerca a las bandas que quisiera producir.
César Lamschtein
El proceso de mezcla de una grabación ha sido, es y será siempre un proceso de aprendizaje, un proceso con mucho espacio para la búsqueda, para encuentros y desencuentros; un proceso sin final absoluto y lleno de discusiones inconclusas. “La mezcla de una canción”, afirmó César Lamschtein durante su conferencia; “ no es como la química, sino como la cocina. Es más abierta a la percepción”. Fue una conferencia valiosa para todos los niveles de ingenieros, comenzando por definir primero que nada lo que es una mezcla: “es la última etapa del proceso de producción multipista”; y luego por establecer qué es una buena mezcla: “es aquella que logra transmitir una emoción que se encuentra inherente en la música sobre la que se está trabajando”. Se analizaron los ingredientes que se requieren para lograrla y la forma de usarlos: “todo lo que hagamos será una reacción del ingeniero al monitoreo, pero el gusto es lo que dicta todo”.
Adinaldo Neves
La forma en que ha evolucionado la tecnología para amplificar el sonido –cada vez con mayor calidad-, en realidad no se puede concebir sin la evolución misma del captor del sonido en sí: el micrófono. Adinaldo Neves, especialista senior de desarrollo de mercado en Shure Latinoamérica, nos llevó en un viaje a lo largo de la historia de los micrófonos dinámicos, desde el 55 Unidyne hasta los más recientes, como la serie Beta. Pero algo de lo más interesante fue que no sólo se trató de hablar de historia y de fechas o de quién usó tal o cual micrófono, sino que brindó sugerencias y técnicas para el mejor aprovechamiento de los productos que él representa: “hoy, todos nuestros micrófonos dinámicos cuentan con lo que llamamos pico de presencia encontrado entre los 2 k y 8 k, diseñado para compensar el efecto de proximidad”. Refiriéndose al nuevo Shure KSM8, el cual cuenta con estas características, indicó que es un micrófono que se puede usar muy bien en instrumentos acercándolo o alejándolo sin que cambie el tono del instrumento, debido a su rechazo plano de frecuencias en su patrón polar.
José Rivera
Y también en la mezcla, pero en este caso de música en vivo, José Rivera, ingeniero de sala de Marc Anthony, contó cómo logra que el cantante salga de cada uno de sus conciertos con una sonrisa en la boca. En una conversación bastante informal, pero enormemente sustanciosa, José respondió dudas de los ávidos miembros del público. Comenzando por puntualizar el papel del ingeniero de audio durante un concierto en vivo, José comentó: “Pienso que nuestro papel es establecer una conexión, un puente entre lo que está pasando en el escenario y el público, por medio de la amplificación del sonido que se está produciendo por los interpretes”. Sin embargo, de la misma manera enfatizó el hecho de que una de las funciones primordiales es la de ser una especie de psicólogo, ya que el trato con los músicos tendrá gran influencia en el resultado final del trabajo. Obviamente se habló de equipo, pero sobre todo de la condición en la que deben estar para poder explotarlos al máximo. Y de la misma manera se tocó el tema de la calidad de audio, dependiendo en primer plano de la fuente, siguiendo por los transductores y acabando por los transmisores.
Mauricio Gargel
La corrección digital de un cuarto (o como se le conoce en inglés, Digital Room Correction), es una técnica de gran importancia para lograr un sonido apropiado y controlado según las condiciones acústicas de cada espacio y no pudo haber mejor elección para hablar del tema que el ingeniero brasileño Mauricio Gargel. Durante la ponencia se mostró el uso de la herramienta (software) llamada EQWizard, la cual cuenta con secciones capaces de medir Nivel de Presión Sonora (SPL), impedancia, fase, ecualización y muchas otras cosas. En tanto, se explicó el concepto de “convolution” que es el método de combinar señales, y así Mauricio explicó: “hay un concepto muy importante en convolution que se llama descomposición: la separación de un todo en diferentes partes que luego se suman. Este método es muy eficiente al separar la respuesta de frecuencia y la corrección de tiempo”.
De esta manera, la conclusión de la pasada Conferencia Anual de la AES México en el marco de sound:check Xpo 2016 nos dejó un legado monumental de conocimiento, listo para ponerse en práctica de inmediato y que seguramente será de igual nivel el año entrante.
